Spanish Art History

El conocimiento del arte y su técnica es tan importante como la historia que lo sustenta. Los elementos, las corrientes, los artistas y sus influencias son todos partícipes para construir con el paso de los años el universo de una disciplina, y la música clásica no es la excepción. En este libro, Héctor Vasconcelos parte de los aspectos técnicos más básicos como los elementos de la música, su notación y clasificación para explicar los cambios que han tenido las formas de la música instrumental y vocal con el paso del tiempo.

Primer episodio de la colección Primera Temporada. Un ensayo sobre el electrodoméstico favorito, escrito por una de las voces más influyentes y polémicas de nuestra época. El ojo de la casa nos vigila mientras descansamos o trabajamos. Su poder se extiende más allá de las cuatro paredes y traspasa fronteras, continentes. Tiene la capacidad de poner a generaciones enteras a hablar en torno a ella. La prendemos cuando deseamos, pero solo ella decide cuándo nos desconectaremos.

Si tuvieras que explicarle a un alien qué diablos es la música, ¿cómo lo harías? Nada fácil, ¿cierto? Porque la música está presente en nuestra vida desde que nacemos, con las canciones que marcan nuestro primer amor y ruptura, hasta las que algunos eligen para partir. La música nos recuerda los mejores momentos, todos esos lugares y personas que nos provocan tanta emoción que queremos cantar, gritar y subir todo el volumen. Lo sabemos: la música es el lenguaje universal, sin fronteras culturales ni idiomáticas, que toca nuestro lado más profundo.

Un libro narrado como crónica periodística sobre historias donde el Derecho tuvo que reinventarse para poner llevar a cabo juicios. Son 7 casos judiciales que marcaron la historia. Es un libro que cuenta cómo 7 casos jurídicos que se dieron en determinados momentos de la historia tenían vacíos legales y eso llevó a crear precisamente leyes y decisiones que pudieran resolver futuros conflictos similares. Son historias amenas, a manera de crónica, que cuentan lo que increíblemente no se podía juzgar cuando todo parecía claro en su momento: desde los juicios de Nuremberg hasta la demanda de indígenas en Ecuador a Chevron.

Esta tercera etapa histórica del espíritu heleno es la de su decadencia final pero no por ello debemos prestarle menos atención que a las dos anteriores, porque sigue poseyendo una gran madurez creadora de la que se han alimentado todos los grandes estilos europeos de Roma y el Renacimiento europeo, como se verá en posteriores colecciones.

Siempre se puede reconocer un cuadro de Kahlo porque ella está en casi todos, con su pelo negro trenzado y sus coloridos trajes mexicanos. Una mujer valiente que estuvo inválida la mayor parte de su vida, se transformó en una obra de arte viva. Tan famosa por sus autorretratos e imágenes inquietantes, así como por su matrimonio con otro famoso artista, Diego Rivera, esta pintora fuerte y valiente se inspiró en la antigua cultura e historia de su amada patria, México.

Una Indagación Filosófica y Cultural sobre la Muerte de la Música. Este tratado filosófico de Halasius Bradford y provocador diseca la transformación de la música de una fuerza orgánica y mística a un producto mercantilizado, argumentando que la música moderna se ha reducido a simples patrones de sonido, despojada de su alma. Explorando las intersecciones entre la consciencia, la tecnología, el capitalismo y la expresión artística, La Música ha Muerto presenta una crítica radical y urgente sobre cómo la era digital ha reformulado el papel de la música en nuestras vidas.

A partir de la obra helénica, y con una influencia etrusca muy marcada, los romanos aparecen en el escenario artístico europeo con gran originalidad, sobre todo en el capítulo arquitectónico, aunque también muestran gran talento para la escultura y la pintura, y son los grandes creadores del mosaico. En conjunto aparece un nuevo estilo artístico, inspirado sin duda en el helénico pero con indudable personalidad, que va a influir notablemente en el arte europeo posterior.

Si hiciésemos una encuesta para saber cuántos pintores conocemos, la mayoría consultada mencionaría a Goya, Velázquez o Van Gogh, pero con seguridad no se hallaría a ninguna mujer en esta lista. Como si no hubiesen existido, pero no es verdad, existieron muchas y excelentes pintoras. ¿Por qué no las conocemos? Porque a lo largo de los siglos han estado escondidas en conventos en el Medievo o dedicándose a labores domésticas en el Renacimiento o el Barroco.

No se puede hablar del arte románico sin haber pa­seado antes un poco por los pasillos del feudalismo. La aristocracia feudal del Medievo es la clase social creadora del arte románico, tanto en sus manifestacio­nes religiosas como civiles. El románico fue un arte esencialmente religioso, pero también feudal, aristocrático. Los altos clérigos y abades medievales tenían los mismos intereses políticos y económicos que la nobleza.

Entendemos por arquitectura barroca un estilo de construcción y decoración característico, que comienza a instalarse en Europa a finales del siglo XVI y perdura sin trascendentales variaciones hasta la segunda mitad del XVIII. El siglo clave, pues, del arte barroco es el XVII. Las fronteras exactas de este modo arquitectónico no pueden determinarse, pues, aunque tradicionalmente venía concediéndose a Lorenzo Bernini la paternidad simbólica del estilo, la historiografía actual descubre antecedentes barrocos en hombres de tanta importancia como Miguel Ángel.

Se ha dicho muchas veces, y con razón, que hay más diferencia entre el arte románico y el gótico que entre el gótico y el renacentista. El paso del arte románico al gótico supone una crisis radical del pensamiento europeo, mientras que el Renacimiento sólo era una continuación (si se quiere, una exageración) del pensamiento bajomedieval. Por fuerza, hemos de distinguir, pues, entre el arte románico como expresión plástica de unos conceptos teológicos indiscutibles y el arte gótico como expresión de una época de duda y de escarceos racionalistas.

En la Historia del Arte Español, como en la de cualquier país, lo más difícil, y para muchos lo más fácil, es recoger una serie de nombres, estilos, figuras, etc. que estudiar. Difícil porque no se sabe quienes son los mejores, ya que hablando de estilos artísticos es muy complicado llegar a determinar cuál es la belleza por excelencia, cuando ésta es algo subjetivo de cada espectador que la contempla y teniendo en cuenta que entran en litigio muchos elementos -y no todos objetivos ni igualmente valorables- que hacen recaer una mayor responsabilidad al efectuar esa valoración.

Además de la escuela castellana, a la que se ha dedicado el volumen precedente, la escuela andaluza es la más floreciente durante el siglo XVII. Sevilla es una ciudad que ahora está en auge a causa del comercio con las Indias. Esto explica la abundancia de encargos y la aparición de una mayor cantidad de escultores, que extenderán su actividad también a Granada y a otras ciudades andaluzas, al igual que dejarán sentir su influjo en la otra orilla del Atlántico.

El siglo XIX es uno de los más complejos y variados desde el punto de vista pictórico. Numerosas tendencias estilísticas penetran en nuestro país procedentes en su mayoría de Francia. Sus influencias son simultáneas y es muy difícil deslindar dónde terminan los brotes neoclásicos, por ejemplo, y empiezan los románticos.

Los últimos años del siglo XIX y los primeros del XX no dejaban adivinar con facilidad cuál iba a ser la evolución inmediata de la escultura española, a causa de la carencia total de un orden estético y de la proliferación de monumentos conmemorativos de un extremado detallismo, pero faltos de inventiva y valía artística. Pero muy pronto, a medida que se iba penetrando en el siglo XX, la escultura volvió a recuperar su antigua consideración.

Era totalmente forzoso dividir esta serie en dos grupos, dada la ingente cantidad de obras -todas ellas importantes- que la arquitectura barroca tiene en nuestra patria. Quizá este hecho puede ser la mejor demostración del auge, la importancia y la autenticidad del estilo barroco, pese a todas las críticas y prejuicios negativos.

A continuación de la escultura románica, que, plena de simbolismo y alejada de todo cuanto viniera a suponer relación con la realidad, se había extendido hasta las décadas finales del siglo XII, se abre una nueva concepción de las artes plásticas, en la que el carácter fundamental es el realismo naturalista. Lentamente van desapareciendo los tipos estilizados del románico para ser sustituidos por otros directamente inspirados en la Naturaleza.

El siglo XV es uno de los más gloriosos para la escultura española, tanto en calidad como en abundancia de obras. España sigue abierta a las influencias del exterior, que si bien antes eran francesas, ahora proceden de Borgoña, cuyo paladín había sido el genial Claus Sluter, con sus paños ondulados y fuertemente agitados y el penetrante realismo de los rostros; pero, a partir del segundo tercio del siglo y, sobre todo, al mediar éste, el estilo que predomina en la escultura española es el flamenco, de paños angulosos y muy atenta observación del natural.

El movimiento neoclásico común a toda Europa no iba a ser una excepción en la España del rey Carlos IV. Decae ahora el tema religioso en pro de las figuras alegóricas más acordes con los modelos clásicos adoptados, figuras alegóricas que ya habíamos visto cómo hacían su irrupción en nuestra escultura con la decoración de los jardines de La Granja en tiempos de Felipe V. Abundarán los sepulcros como testimonio de culto a la persona, así como el retrato, que alcanzará cimas insospechadas, favorecido por el ambiente de la época, que exige la perpetuación del personaje.